Oh Boy… Pink Grease haben sich getrennt. Ein kleines Stück Musikgeschichte, das hoffentlich niemals untergehen wird.

Nähere Umstände bezüglich der Trennung sind bisher nicht bekannt. Aber sicher ist, dass damit etwas Besonderes in der alternativen Musikwelt fehlen wird. Zu hoffen bleibt, dass man ihre Musik nicht vergessen wird.

Mehr Infos zu dieser Band siehe Artikel in diesem Blog: Pink Grease – März 2008

Demnächst an dieser Stelle: Review zur Musik von okgo

(Indie-) Tipp: Album: „okno“ (2005) von okgo

Indie goes youtube. Viral-Marketing brachte ihnen den Erfolg…

Hiermit wurden sie bekannt („Here It Goes Again“)

…und das hier ist ebenso abgefahr’n…(„A Million Ways“)

„Invincible“ (2005)

Club Kids, Drugs and Music… Im Film geht es um eine skurrile Bewegung und deren Protagonisten, die sich seit Ende der 1980er bis in die 90er vor allem in den USA (hauptsächlich in New York) entwickelte. Die Musik kann sich auch unabhängig vom Film hören lassen – Clubmusic meets 80ies…

Amazon Link mit Musikausschnitten

Review zur Musik und zum Film kommt bald an dieser Stelle…

„No one belongs here more than you.“ – Hätte man einen schöneren Titel für ein Buch finden können? Vor allem, wenn es darin um Menschen geht, die gerade in ihrer individuellen Andersartigkeit und mit ihren spezifischen Besonderheiten so nah an einem selbst stehen. July widmet sich der Essenz des menschlichen Seins auf dieser Erde und in der Gesellschaft derart, dass es stellenweise fast erschreckend ist, wie schnell die Geschichten ihrer fiktiven Charaktere einen mitreißen, wie intensiv sie einen eintauchen lässt in die Gedanken ‘anderer’.

Dabei legt July ein ganz besonderes und feines Gespür für Zwischentöne an den Tag und bleibt trotz aller Skurrilitäten authentisch, was zum Teil auch an der Erzählperspektive (meist eine Ich-Erzählsituation) liegen mag. So schafft sie es stets, dass der Leser sich unweigerlich in die Gedanken des Erzählenden gezogen fühlt. Mit stillen Pointen setzt sie Akzente, die einen berühren. Sie macht auf kleine Besonderheiten aufmerksam und lässt sich auf die Widersprüche ein, die in einem jeden von uns stecken. Auf fast schon liebevolle Weise werden so in diesen sechzehn Kurzgeschichten Charaktere, Menschen, präsentiert, die nicht an vorderster Front im öffentlichen Leben stehen, die in sich gekehrt sind, meist Monologe führen, die von sich erzählen, die anders sind, und doch so nah an einem selbst. Auch wenn sie menschliche Widersprüche und Makel aufdeckt, verurteilt sie diese nicht. Stattdessen zeigt sie, dass diese Teil von uns Menschen sind, dass man sie akzeptieren kann und sie uns vielleicht sogar auf die eine oder andere Weise individuell auszeichnen.

„No one belongs here more than you“ ist ein Stück post-postmoderne amerikanische Literatur. So wird darin nicht nur ein ambivalentes Verhältnis zwischen Selbst und Umwelt sichtbar gemacht, sondern auch eine innere, persönliche Zerrissenheit spürbar, wie sie vielleicht nur in einer postmodernen Gesellschaft erwachsen kann. So stellt July den Leser vor Kurzgeschichten, die differenzierte Charakterstudien mit einem ganz eigenen poetischen Stil verbinden und bleibt dabei dennoch erstaunlich nah am Leben. Vielleicht sogar näher an der individuell empfundenen Realität eines jeden als es so mancher Autor des Realismus je geschafft hat. Es hat den Anschein als fokussiere July sich gerade auf die inneren Aspekte der Menschen, zumindest aber der von ihr erschaffenen Charaktere, auf das, was sie wirklich antreibt. Diese Annahme deckt sich mit der Tatsache, dass sie auch in ihren Kunstprojekten stets das Augenmerk auf innere Widersprüche und individuelle, innere Auseinandersetzungen richtet. Indem sie diese aufspürt und zu Tage bringt, liefert sie gleichzeitig Zeugnisse der Gegenwartskultur. Sie geht aber noch darüber hinaus und stellt sich die Frage, wie man diese inneren Strukturen beeinflussen kann oder spielt zumindest mit den Gedanken über Veränderungsglauben und Erwartungen. Sie zeigt immer wieder menschliche Makel auf, tut dies aber stets mit der Wahl einer reflektierenden Perpektive. Selten gibt sie dabei Wertungen ab, die Notiz der Gedanken allein ist meist schon ein Kommentar, den man kaum in seiner Evidenz übertreffen kann.

„No one belongs here more than you“ (2007) (dt. Titel: „Zehn Wahrheiten“ (2008)) ist im Diogenes Verlag erschienen.

„Pretty Cool People Interview“: Miranda July

Blonde Redhead (Musik)-Video mit Miranda July

Me and You and Everyone We Know – Intro Sequence

Me and You and Everyone We Know – Shoes Scene

Me and You and Enveryone We Know – Trailer

Link zu Amazon – „Zehn Wahrheiten“ (dt. Titel)

Link zu Amazon – „No one belongs here more than you“

Homepage – Tipp

Vielleicht ist es die Tatsache, dass eine neue Generation (zumindest aber ein großer Teil von einer solchen, sonst könnte sich diese Strömung wohl nur schwerlich halten) der Nostalgie verfallen ist, wie es wohl seit der Romantik nicht mehr der Fall war.

Eine ‘Generation Nirgendwo’ sucht nach einem Stil, in dem sie sich wohlfühlt und verorten kann. Wie so einige andere Subkulturen scheint auch diese Strömung einen festen Platz in einer Welt zu haben, in der sich alles in einem Augenblick verändern kann und in der junge Menschen, die auf der Suche nach Orientierung und Sinnhaftigkeit sind, umherirren. Man hat das Gefühl, dass sich jene Generation, die in einer postmodernen Welt aufgewachsen ist, mehr denn je und inniger damit auseinandersetzen muss, wie sie leben möchte. Welche Lebensentwürfe passen zu einem? Die Nostalgieliebe scheint auf jene Einfluss zu haben, die einen Gegenentwurf zu dieser immer schnelleren und verrückten Welt suchen. Menschen, die nicht nur nach externer Optimierung und zeitlicher Effizienz streben möchten, die sich damit nicht identfizieren können oder wollen und andere Lebensziele suchen. Solche, die wieder in und nach sich suchen möchten und dabei paradoxerweise eigentlich Erkenntnis suchen, die losgelöst ist von unzeitgemäßen Dogmen. Haben sich die Prioritäten einer gesamten Generation verschoben? Wer weiß.

Aber warum interessiert dieser Aspekt dieser Strömung niemanden? Weil es so „uneffizient“ zu sein scheint? Die 60er und 70er repräsentieren aus heutiger vielleicht verklärter Sicht eine Zeit des Wandels, in der man noch Ideale haben konnte. Natürlich war das Leben in der Realität nicht zwingend einfacher, aber fragt mal eure Eltern, in der Regel dürften sie anworten, dass man zumindest in so manchem Lebensaspekt etwas unbeschwerter war. Die Zeiten eines uneingeschränkten Idealismus sind wohl vorbei und dieser allein war noch nie gut, aber ohne eine Portion davon wäre die Welt sinnlos, bietet dieser doch Denkanstöße, die implizit Wandel und Weiterentwicklung ungünstiger Verhältnisse hinterfragen. Es ist ein Traum zu glauben, dass diese Zeit durch Musik, die dieser huldigt, zurückkehrt (und mal ehrlich, wollten wir das wirklich?), aber sicherlich bietet sie Raum zum Träumen und Träumen ist doch unsere Hoffnung. Und warum nicht aus der Vergangenheit zehren. Eine Kombination alter und neuer Aspekte und Werte hat noch nie geschadet. Es könnte eine fruchbare Dyade der Generationen daraus erwachsen, wenn man auch diese Entwicklung mal zuließe und nicht in blindem Zukunftseifer nur noch das Morgen sieht. Man kann aus der Geschichte lernen und ohne diese gäbe es viele Erungenschaften ‘unserer’ Zeit nicht.

Mit diesem Revival der Vergangenheit kommt auch eine ganze Strömung in der Musik, die wieder auf diese Zeit zurückblickt und sich ihrer musikalischen Charakteristika annimmt. Zwei weibliche Vertreterinnen aus Großbritannien, die aktuell die Musiklandschaft diesbezüglich deutlich und erfolgreich prägen sind Amy Winehouse und Duffy.

Amy Winehouse mit „You know I’m No Good“ (2007)

weiterer Song: Amy Winehouse „Love is a Losing Game“ (2006)

Skeptischer, kaputter, viel öffentlicher selbstzerstörerisch, manchmal fast zynisch selbstreflektierend und auf aufrüttelnde Weise provokant – sie sind angepasst an dieses Jahrhundert. Im Gespräch offenbaren diese neuen Künstler häufig ein hohes Maß an Selbstreflexion, in der Performance zeigen sie sich dagegen (zumindest eine ganze Reihe von ihnen) gerne schockierend, schrill und überzeichnet (mehr als ihre Vorläufer), als ein glänzendes Beispiel hierfür kann die englische Band Pink Grease gelten.

Zeitgemäß vereinen sie verschiedene Stile in sich und ihrer Kunst, personifizieren durch ihren individuellen Mix auch Probleme unserer Zeit und spiegeln diese wieder.

Das Beispiel Amy Winehouse ist zwar populär und damit auch reichlich ‘bearbeitet’, dürfte aber dennoch der Erklärung dieses Phänomens dienen. In einem Zeitraum von nur etwa zwei Jahren ist aus dem „netten Mädchen von nebenan“ mit einer wahnsinns Stimme eine Frau geworden, die zwar immer noch eine wahnsinns Stimme hat und in ihrer perönlichen Art sicherlich nicht wirklich anders als früher ist, aber der auch Drogenabstürze, damit verbundene Abmagerung, Selbstzerstörung und Drogentenzuge nicht mehr fremd sind. Sie ist ein zeitgemäßes Beispiel dafür wie schnell die Sehnsucht nach mehr und gleichzeitig einer Unzufriedenheit mit sich selbst zum persönlichen Absturz führen können und bleibt währenddessen eine Identifikationsfigur für so manche junge Person, die auch das Gefühl hat verloren gegangen zu sein. Es gibt eine Sehnsucht danach sich auch mal gehen lassen zu dürfen. Eine Zerbrechlichkeit einer ganzen Generation kommt zum Vorschein, wenn man die von ihnen täglich abverlangte Härte mal ausblendet. Ein Hilfeschrei in einer Zeit, die manchmal zu schnell zu sein scheint, um als Normalsterblicher noch hinterher zu kommen, ohne sich selbst auf dem Weg zu verlieren. Vielleicht hat die „Nostalgiewelle“ etwas damit zu tun und vielleicht hat sie es auch deshalb in unser neues Jahrhundert geschafft.

Das eingentlich Spannende an dieser Strömung ist, die Neuinterpretation, die innovative Mischung aus alten und neuen Komponenten, vielleicht ist gerade diese Weiterentwicklung auch das Geheimnis, dass es die Einflüsse in die Gegenwart geschafft haben.

Schön zu Träumen bleibt es doch…besonders dank jener Stimmen der Gegenwart, die uns zurücktragen:

Duffy „Rockferry“(2007)

weiterer Song: Duffy „Mercy“ (2008)

Duffy live sehen: am 10. 6. 2008 Postbahnhof Berlin (noch gibt es Karten)

Seht/Hört ihr Ähnlichkeiten? Ein Beispiel…

Nancy Sinatra & Lee Hazlewood „Summer Wine“ (1967)

Nancy Sinatra „Bang Bang“ (1960s)

Gibt’s auch als Remix… (2007)

Poppiger und rockiger als Goldfrapp und trotzdem mit seinen wohleingesetzten Elektroeinflüssen anders als so manches, was man sonst vielleicht in die Kategorie Pop-Rock schieben würde, kommen diese Klänge daher.

Die Musik ist sexy und steckt voller Energie, die unweigerlich auf einen überspringt, wenn man sich diesem Musikvergnügen hingibt und mitreißen lässt. So sind auch eine Reihe Ohrwürmer dazwischen: „Push it“ ist super, um glücklich in den Tag zu starten und auch „U Pretty Thing“ schmeichelt sich unweigerlich ins Ohr. „The Sweetest Betrayal“ ist eine Ballade, die einen nicht kalt lässt und ein Kribbeln auf der Haut verursacht, was wohl nicht zuletzt an der beeindruckenden Stimme von Jayney Klimek liegt. Mein größter Ohrwurm während einer langen Autofahrt war allerdings „The Silencer“.

„Tune in“ (2008). Einfach ein großes Hörvergnügen!

Amazon-Link mit Interview-Video (inkl. Musikproben, aber leider nur sehr kleine Ausschnitte): http://www.amazon.de/Tune-You-Pretty-Thing/dp/B0013DO8SI/ref=sr_1_1?ie=UTF8&s=music&qid=1206887501&sr=1-1

Elektrorock- harte Gitarrenklänge, klassisches Saxophon, konstante Drums, elektronische Einflüsse, punkiger Falsett-Gesang, Rhythmen, die eine Steigerung dessen sind, was man als wilden Rock’n'Roll wie den der Stones bezeichnen könnte und eine kräftige Portion schrillen und bizarren Glams zeichnen auch dieses Album aus. Allerdings klingen hier die Sounds der 80er mehr durch als in seinem Vorgänger. So wurde bei „Mechanical Heart“ wesentlich mehr auf einen Industrial-Einfluss und Synthi-Sounds gesetzt. In den Grundzügen sind sich Pink Grease aber trotzdem treu geblieben. Spricht für die Band…

„Alien“ aus dem aktuellen Album: „Mechanical Heart“ (2006)

Pink Grease ist eine Band aus dem englischen Sheffield. In ihrem Sound vermischen sich „the raw sexual excitement of 50′s rockabilly, the in-your-face garishness of 70s glam and punk, and the futurism of 21st century electronics into one delirious cacophony (imagine a drunken fight between New York Dolls, The Cramps and early Roxy, and you’re getting there)“, wie es auf ihrer Webpage pink-grease.com beschrieben wird, und was es wohl auch ziemlich genau trifft. Vor allem auf dem neuesten Album hat man von Zeit zu Zeit das Gefühl die Beach Boys träfen musikalisch auf einen Elektro-Punkrock der sich gewaschen hat. Meine zwei Favoriten des Albums: „Carlight“ und „Alien“. Letzterer erinnert auf dem Album noch am meisten an den Vorgänger. Bei Ersterem haut einen spätestens der Refrain um!

Das Statement von Steve Santa Cruz (Gitarrist/Vocal bei PG) unterstreicht, wie die musikalische Wucht des Pink Grease-Sounds auf einen wirkt :

„The goal is to stir some emotion. Ideally just to really move people, blow their minds. We wanna make music that really makes you want to get jiggy… or shout and throw things at us.“

Ziel erreicht. Besser auf den Punkt bringen, kann man es wohl kaum.

Ein weiteres Schmankerl aus dem Hause Pink Grease:

„The Pink G.R.EASE“ aus dem Album „This is for real“ (2004)

homepage: http://www.pink-grease.com

Pink Grease auf myspace.com

…erkennt ihr Wurzeln wieder? Eine kleine Auswahl naheliegender Vorbilder der Band. …wenn auch vielleicht (zumindest in diesen Viedeo-Clips) nicht ganz so wild und freaky wie die Jungs von PG:

(Reihenfolge nach Jahr)
David Bowie „Heroes“ (1977)

New York Dolls „Looking For A Kiss“ (1973)

Roxy Music „Editions of You“ (1973)

Roxy Music „remake/remodel“ (1972)

Roxy Music „Ladytron“ (1972)

The Rolling Stones „Honky Tonk Woman“ (1969)

Literarisch ist das Buch relativ weit davon entfernt als sonderlich poetisch durchzugehen, zumindest, wenn man diesen Begriff im traditionellen Sinne versteht, auch muss man nicht alles zu streng nehmen, was darin niedergeschrieben steht. Und dennoch: Immerhin hat es das Buch auf Platz 1 der Spiegel-Bestsellerliste geschafft und ich kann einfach nicht umher Charlotte Roche dankbar für dieses eigenartige Werk zu sein. Denn was am Ende im Geiste hängen bleibt, wenn man etwaige Extreme mal auf ihre Kerne herunterbricht, ist schlichtweg befreiend.

Wenigstens einen Moment lang. Genau so lange, bis frau sich im tiefsten Winter mit Rasierer und Schaum in der Hand ertappt, um sich lediglich für eventuelle Annäherungen frisch zu machen. Nein, nichts gegen Hygiene, aber wie weit muss man es treiben? Was ist normal? Dass Männer mit ihren „kleinen Jungs“ freudig, auch gern mal ungewaschen und vor allen Dingen, ohne sich deshalb den Kopf zu zerbrechen, die Damenwelt penetrieren, scheint völlig normal zu sein, während einer Frau fast überall, vor allem in den visuellen Medien, suggeriert wird, sie müsse bis in den kleinsten Winkel weich, rasiert, wohlgeformt, glatt und parfümiert sein, um auch nur irgendwie erotisch zu sein (siehe dazu: Videolink Roche bei TV Total, unten). Ja, so wächst man heute als junge Frau auf. Und ja, das stellt für so manche Frau einen gewissen Druck dar. Tut sich da nicht eine Ungerechtigkeit auf?

Warum eigentlich sind Männer mit Drei-Tage-Bart sexy und Frauen mit „Drei-Tage-Beinen“ nicht? Warum dürfen Männer ihr Image vom schroffen Softie oder vom Macho mit weichem Kern pflegen und werden dafür oft noch bemitleidet, während Frauen mit sich selbst ausmachen müssen, wie sie den Spagat zwischen den Gegensätzen (unabhängig&wild vs. anhänglich&süß oder Sexgöttin vs. Mutter) schaffen und wie sie diese in sich vereinen, um den Ansprüchen gerecht zu werden? Oder warum hat sie Schwierigkeiten dabei einfach mal relaxed nach dem Sex liegen zu bleiben, um den Moment zu genießen, und nicht sobald der Akt rum ist dierkt ins Bad zu rennen, um sich zu „reinigen“. Diesbezüglich gibt es auch ein nettes Zitat von Ms Roche:

„Das Problem ist immer, dass Sex für Werbung darstellbar gemacht wird und sehr sehr sauber dargestellt wird: haarlos, schweißlos, geruchsneutral. Und echter Sex ist eben tierisch und dreckig und derbe und schleimig und flutschig, und das sieht man nirgendwo.“

Warum liegt bei Frauen ein verstärkter Fokus auf Äußerlichkeiten? Wer sagt endlich einmal, dass das nicht alles ist und rasierte Beine noch lange keinen guten Sex ausmachen? Und was, liebe empörte Kritiker da draußen im Lande, ist so schlimm daran, wenn endlich mal eine junge Frau und Mutter daherkommt und einfach ein Buch darüber schreibt, das den Vorschlag macht, dass man sich auch als Frau mal gehen lassen darf, das die Dinge mal beim Namen nennt und dazu animiert das Ganze zur Normalität gewordene Prozedere zu hinterfragen und etwas entspannter zu sehen? Und vor allen Dingen, dass endlich mal eine Frau ganz unverhohlen über Sex schreibt und damit die gesamte deutsche Medienwelt aufmischt. Ich sage: Danke. Danke auch dafür, dass all die empörten Reaktionen erst so richtig deutlich machen, was fast alle jungen Frauen (und Männer?) ohnehin spüren: Dass es immer noch nicht, vielleicht sogar immer weniger möglich ist, eine offene Gesprächsbasis zu finden, um eben solche intimen Themen anzusprechen.

Roche präsentiert uns eine Protagonistin, die zwar auch nicht ganz frei von Zwängen ist, aber so radikal offen sich selbst und vor allem ihrer Umwelt gegenüber steht, dass ihre Selbstbestimmtheit einem beim Lesen fast entgegenspringt. Und das zu einer Zeit, in der man fast meinen möchte, dass wir uns wieder in einem Zeitalter befinden, das zutiefst einer Doppelmoral verfallen ist, die stark an die der Belle Époche erinnert – nur andersrum: In der Öffentlichkeit ‘offener’ denn je, teilweise so offen, dass es einschüchternd wirken kann, und im ganz persönlichen Bereich zum Teil schamhaft prüde. Indem sie ihrer Protagonistin das in den Mund legt und aussprechen lässt, was sich sonst nur wenige trauen würden, gibt Roche vielen jungen Frauen eine Stimme. Zu hoffen wäre, dass es dank solcher Frauen wie Ms Roche endlich ein Umdenken gibt, dass der neuen Emanzipation gerecht wird. Denn subtiler und differenzierter sucht diese im Gegensatz zu ihren „VorgängerInnen“ eine vernünftige und faire Gleichberechtigung von Mann und Frau.

Auch ich muss zugeben, dass Ms Roches Heldin tatsächlich auch für meinen Geschmack stellenweise ziemlich „roh“ zu Werke geht – und ich bin wirklich offen für neuen Stil. Aber ist es nicht so, dass man heutzutage manchmal Grenzen überschreiten muss, um überhaupt erst einmal gehört zu werden? Und wenn nur ein Bruchteil davon ankommt, ist wenigstens schon ein Stück weit das Ziel erreicht. Ja, man könnte sagen, dass es sogar wichtig ist, dass die Sprache in diesem Werk genauso ist, wie die Geschichte: extrem. Extrem relevant als Denkanstoß. Warum ich glaube, dass ein solcher vonnöten ist? – Weil gerade in einer Zeit, die von einem grellen, visuell fast unausweichlich mit Sex angereicherten Film überzogen und darin wohl unübertroffen ist, es immer schwieriger zu werden scheint, dieses grundmenschliche Thema noch offen und vernünftig zu besprechen. Mein Fazit: „Feuchtgebiete“ (DuMont Verlag, €14,90). Wichtige Provokation.

Mehr zu Inhalten, und was Ms Roche dazu zu sagen hat:

http://www.rbb-online.de/_/stilbruch/beitrag_jsp/key=7171082.html

http://www.spiegel.de/spiegel/0,1518,537317,00.html

Charlotte Roche bei TV Total (2/2) – MyVideo

Kleiner Musik-Link zum Abschluss:
Meredith Brooks BITCH – MyVideo

Wenn man in eine Welt eintauchen will, die versucht ohnmächtige Illusionen Realität werden zu lassen und glaubwürdige Idealisten zu ihren Protagonisten erklärt, sollte man sich diesen Film anschauen.Besser als sein Vorgänger „Die fetten Jahre sind vorbei“ kommt dieser Film des Regisseurs Hans Weingartner irgendwie noch überwältigender und zugleich traumhafter daher. Vielleicht ist es die Mischung der sehr unterschiedlichen aber allesamt glaubwürdigen und auf ihre eigene Art beeindruckenden Charaktere, die diesen Film so bodenständig erscheinen lässt, obwohl er den Zuschauern einen Traum präsentiert, der leider fasst schon utopisch scheint. Doch gerade die Utopie dahinter sowie die Dystopie – im Film ist das die Realität -, die das zu lösende Problem der Geschichte darstellt, machen den Film zu einem Abenteuer.

Der TV-Produzent Rainer (grandios verkörpert durch Moritz Bleibtreu), ein koksendes Arschloch, das für Quoten über Leichen gehen würde, wird von der schönen und wilden Pegah (Elsa Sophie Gambard) in einen lebensgefährlichen Unfall verwickelt. Diese will sich damit für den Tod ihres Großvaters rächen, welcher letztendlich auf die unseriöse Berichterstattung einer von Rainer produzierten Sendung zurückzuführen ist. Nach diesem Unfall und einem bizarren, obgleich bedeutungsschweren Albtraum steigt Rainer aus der überbunten, falschen, albtraumhaften Glitzerwelt des Unterhaltungsfernsehens aus und startet einen Feldzug gegen jene Welt, die ihn selbst fast zerstört hat. Zusammen mit Pegah und einer Gruppe anderer von diesem System enttäuschten Menschen, die alle gemein haben, dass sie aus dem großen Karussell der kaltherzigen, schnelllebigen und profitorientierten Welt gefallen sind und dennoch den Glauben an eine bessere Welt nicht verloren haben, startet Rainer eine regelrechte Guerilla-Aktion, die die Medienverhältnisse mächtig umkrempeln soll.

Der Film thematisiert knallhart aber stellenweise auch in leisen Tönen, was so manchem schon oft im Kopf herum spukte: Sollen wir alle verblöden, damit wir uns stupide einreden lassen, dass wir so wie wir sind für den Wettbewerb des Lebens nicht geeignet sind und dass wir nur zu unserem Seelenheil finden, indem wir künstlich kreierte Wünsche befriedigen, um letztendlich nur als Mittel zum Zweck zu dienen, sodass der „Normalbürger“ ganz bewusst zu einer längerfristig funktionierenden menschlichen Konsumkurbel degradiert wird, die die Überlegenheit der Elite sichert? Sind wir Werkzeuge in einem größeren Spiel? Die Frage, die sich danach stellt lautet: Wie kann man dem geistig-kulturellen Verfall entgegenwirken?

Die Arbeitsthese des Films ist ein Szenario, dass der Brave New World in seinen Grundzügen stark ähnelt, die einst schon Aldous Huxley entwarf, nämlich, dass eine kleine, nicht zwingend glücklichere Elite, die Masse bewusst dumm halten möchte, damit diese brav im Hamsterrad des Systems verweilt, die Wirtschaft auf diese Weise unterstützt und dass laut diesem Film das Fernsehen mit seiner maßlosen, quotenbesessenen Unterhaltungsindustrie ein unglaublich wirksames Werkzeug auf dem Weg zur Verwirklichung und Erhaltung dieser Absicht darstellt. Doch zwei Faktoren sind bei dieser Überlegung nicht berücksichtigt, die der Film gekonnt als Aktionshebel nutzt: zum einen das Vertrauen in die Reste geistigen Potentials der Bevölkerung, zum anderen eine Handvoll Menschen, die den Mut haben ihre Ideale umzusetzen. Ideale, die eine freie Denkkultur vorsehen, welche das Fernsehen höchstens als Medium sieht, das sinngeladenes und geistig stimulierendes Wissen an jeden einzelnen heranträgt und Ideale, die das Menschsein, Liebe und wahres Teamwork nicht mit dem Ziel der effektiveren Profitmaximierung als vielmehr für eine gemeinsame Sache zulassen. Diese kleine Gruppe um Rainer entschließt sich Quotenmessungsgeräte zu manipulieren, um die Bevölkerung nunmehr statt mit hirnlosen und letztendlich nur auf mehr Konsum ausgerichteten Programmen mit kulturellem Input zu versorgen und damit eine Umkehrung des dystopischen Prozesses jener fatalen Medienrealität hervorzurufen. Was dieses waghalsige Unterfangen für Folgen hat, soll an dieser Stelle offen bleiben und ein kleiner Anreiz sein sich diesen Film doch einfach selbst anzusehen.

Ein unglaublich intelligenter Film, der Kritik übt, es aber an viel Humor nicht fehlen lässt!
Es wird sich am Ende auszahlen!

Trailer&Weiteres…

http://www.freerainer.de/Home

Die USA in den ausgehenden 1960er Jahren. Der junge Jude (Jim Sturgess) aus Liverpool arbeitet in einer Werft, träumt aber von mehr. Auf der Suche nach seinem Vater bricht er in die Neue Welt auf und tatsächlich wird er an der Ivy League Universität Princeton fündig. Dort trifft Jude Max (Joe Anderson), der mit seinem Kopf überall ist, nur nicht an einer Elite-Uni, sowie seine Schwester Lucy (Evan Rachel Wood). Diese Begegnungen sind der eigentliche Ausgangspunkt der Geschichte. Schließlich überredet Max Jude raus aus der nur scheinbar idyllischen Kleinstadtenge New Jerseys mit ihm nach New York zu gehen. Dort angekommen mieten sich die zwei eine Wohnung in dem seinerzeit pulsierenden Stadtteil Greenwich Village, wo sich Künstler, Intellektuelle und politische Aktivisten aller Kulturen vermischen und in einem bunten Miteinander einem freieren und friedlicheren Leben entgegen streben. Während Jude sich seinem Traum folgend als Künstler verwirklicht, rutscht Lucy, die inzwischen, nachdem ihr Verlobter im Vietnamkrieg ums Leben gekommen ist, nachgekommen ist, immer weiter in die radikale Anti-Kriegsbewegung hinein und Max wird in die Armee eingezogen und nach Vietnam geschickt.

Die schwarze Bürgerrechtsbewegung, der Vietnam Krieg und die Anti-Kriegsbewegung sowie das unbeachtete Leid der psychisch verstörten – zum Teil unfreiwilligen – Vietnamveteranen, bewusstseinerweitende Trips, frei gelebte Homosexualität, die Hippie-Bewegung…Vor diesem Hintergrund spielt sich die Geschichte von Freundschaft und Liebe ab.

Die Charaktere des Films sind durch die Bank weg durch die großartigen Leistungen der zwar noch relativ unbekannten, aber keineswegs untalentierten Schauspieler verkörpert. Dennoch sieht man auch ein paar bekannte Gesichter, zum Beispiel Bonos von U2, der als transzendental-psychedelischer Hippie-Cowboy daher kommt, oder Joe Cockers als Penner in einer U-Bahn-Station, die beide in ihren Gastauftritten mit ihren im wahrsten Sinne des Wortes fantastischen Beatles-Interpretationen überzeugen, oder aber Salma Hayeks als sexy Krankenschwester.

Auch sollte man sich nicht davon beunruhigen lassen, wenn der Film als ein Musical gekennzeichnet wird und man davon eigentlich kein Freund ist, denn er ist weniger ein solches als viel mehr ein besonderer Spielfilm – Drama, Liebesgeschichte, Komödie, bittere Kritik. Die insgesamt 33 (späten) Beatles-Songs, sind so gut in die Geschichte eingebettet (und nicht umgekehrt!), dass sie entweder eher wie eine passende Begleitmusik oder aber gleich wie ein fulminantes audio-visuelles Feuerwerk beeindruckend verpackt sind. Noch dazu sind sie allesamt so unterschiedlich von den diversen Charakteren interpretiert, dass sie nie mitreißender, rockiger, wilder, aber auch psychedelischer und sensibler daher kamen und nur wenig mit dem Bild der Pilzköpfe gemein haben und häufig wird die Tiefe der Texte durch den Film erst klar.

Dass der Film häufig unter der Rubrik „Arthouse“ in den Kinos lief, ist berechtigt, insbesondere aufgrund seiner fast schon surrealistischen Elemente und psychedelischen Sequenzen, worin sich die Filmmacher kreativ ausgetobt haben. So ist der Film auch künstlerisch wertvoll, aber keineswegs nur etwas für Intellektuelle, bildet doch die Liebesgeschichte zwischen Lucy und Jude den roten Faden des Films. Im Grunde genommen sind es aber die Motive Selbstfindung, Liebe und Freundschaft sowie der Schrei nach Leben, die thematisch vor dem Hintergrund jener Zeit verarbeitet werden.
Der Film thematisiert zwar bedeutende Ereignisse jener Zeit, wirkt dabei aber niemals altbacken. Im Gegenteil, mit seinen lebendigen Charakteren wirkt der Film jünger und wilder als man meinen mag. Die Szenen schwingen dabei von zutiefst realistisch zu überwältigend imposant und sind immer ein bisschen skurril. Um allerdings alle Anspielungen „wirklich“ zu verstehen, muss man den Film vielleicht noch einmal sehen, zumindest sollte man sich dazu ein wenig Zeit geben und ihn wirken lassen, nichtsdestotrotz ist der Film ein wahrer „Trip“ in die Welt jener revolutionären Lebensart der ausgehenden Sechziger. Das Lebensgefühl dieser Ära, hätte man kaum besser in solch einer Vielfalt und Kreativität ausdrücken können, auch wenn das Tempo der Handlung stellenweise fast ein bisschen zu schnell ist.

Der Film lohnt sich für alle, die nicht immer nur einfachen, puren Mainstream erleben möchten und für witzige zum Teil kuriose, aber auch sensible Momente offen sind und wird dabei nicht enttäuscht werden.

Trailer